Elena Drommi : de la finesse des étoles aux tablettes enluminées et aux œufs d’autruche, dans l’esprit de l’école de haute joaillerie de la Maison Fabergé pour la cour du tsar

Que Elena Drommi soit une artiste romaine vouée à la peinture et à la très haute décoration — formée dans les plus prestigieuses écoles d’art d’Italie, d’Europe et au-delà, mais surtout dotée d’un esprit inventif et d’un raffinement peu commun —, on le découvre aussi à travers sa polyvalence remarquable.

Sans préjuger de l’évolution changeante de sa trajectoire intellectuelle, laquelle se transmet et se manifeste dans des œuvres uniques qui, tout en variant selon le thème du moment, portent l’empreinte de la Renaissance, ses représentations embrassent un imaginaire qui flotte de l’Extrême-Orient au Proche-Orient, traverse la tribalité de l’Afrique ou de l’Amérique centrale, anime la statique des pierres précieuses ou les formes épiques de la Grèce antique, allant jusqu’à insuffler la vie à ce qui devrait relever de la nature morte.

Mais l’art d’Elena ne se dépose pas seulement sur une toile ou une étole, comme c’est généralement le cas : sa recherche constante d’expérimenter, d’inventer, de représenter, de créer, ainsi que sa capacité à apprendre et à modifier les techniques selon le matériau choisi comme support, l’ont placée sous l’attention de raffinés connaisseurs d’art internationaux.

C’est peut-être pour cette raison que des marchands, directeurs de musées, collectionneurs et galeristes, venant des plus renommées cités d’art du monde, la contactent par l’entremise des réseaux sociaux — unique moyen qu’elle utilise aujourd’hui, par pur goût de faire partager ses créations — en lui adressant des messages personnels d’estime et d’admiration, qui semblent presque vouloir « protéger » et « préserver » l’artiste de ce généralisme culturel qui, partout dans le monde, n’a pas épargné l’expression la plus élevée de la décoration et de la peinture.

C’est d’une culture unissant inventivité, imagination, étude et connaissance qu’est née l’idée de peindre des œufs d’autruche : en préparant une exposition d’art où elle présentait, aux côtés d’étoles peintes au pinceau et de tablettes enluminées de sa propre création, des œufs peints aux émaux polychromes.

Une personne qui lui est très chère lui fit parvenir, en cadeau, des œufs d’autruche — bien plus grands que les œufs de poule classiques, les plus grands de tous les œufs, pouvant atteindre 38 cm de hauteur.

Rares à l’époque, ces œufs revêtent pour Elena une signification particulière : élémentaires comme des sphères, mais allongés et élégamment fuselés.

Cette forme possède, dans la tradition russe, une valeur élective, au point d’avoir été utilisée comme de véritables bijoux offerts aux tsars.

L’exemple typique en est les œufs de Fabergé, œuvres de joaillerie conçues comme des œufs de Pâques à la cour du tsar de toutes les Russies par Peter Carl Fabergé, fondateur de la maison éponyme, entre 1885 et 1917.

Sur un total de 69 œufs, 52 furent réalisés pour la cour et 46 subsistent encore aujourd’hui.

Ces œufs sont très variés quant à leurs caractéristiques techniques, leur aspect et leurs dimensions — allant de la taille d’un œuf de poule à celle d’un œuf d’autruche —, mais ils sont façonnés en une grande diversité de matériaux précieux ; beaucoup peuvent s’ouvrir en deux, sont revêtus d’émaux colorés, de pierres ou de métaux, et décorés dans les styles rococo ou Art nouveau.

Rappelons que Fabergé et ses orfèvres ont conçu et réalisé le premier œuf en 1885, sur commande du tsar Alexandre III de Russie, comme surprise pascale pour son épouse Maria Feodorovna.

Il convient de noter que les œufs d’autruche jouissent encore aujourd’hui d’une grande appréciation dans le domaine du haut antiquariat, où l’on trouve des raretés réservées au plus exigeant des collectionneurs, soutenues par des supports précieux ou enchâssées comme ostensoirs en argent et en bronze, mais laissées blanches et sans décor.

La possibilité de disposer d’ostensoirs finement ornés de motifs artistiques saillants — tels qu’Elena sait les transmettre — confère une touche d’élégance supplémentaire à ces objets précieux, exprimant des unicités d’un tel niveau, avec des motifs étudiés et raffinés, qu’ils deviennent inévitablement beaucoup plus recherchés et non reproductibles.

La coquille de l’œuf, composée de carbonate de calcium (environ 95 à 97 % de sa masse), est un matériau proche du marbre et des coquillages ; elle se révèle résistante, lustrée et d’une grande beauté pour la décoration et la peinture.

L’idée est donc de les anoblir davantage en les peignant, en les réinterprétant artistiquement, afin de leur conférer cette valeur de haut collectionnisme qui plaît tant au public des antiquaires.

Les images et motifs qu’Elena conçoit — les voyant en avant-première dans son esprit — sont des scènes de la peinture ancienne italienne, persane, chinoise, ou des iconographies précises, mais réinterprétées ; voilà pourquoi elle les aime, tout comme elle aime la beauté, le luxe et la quête de ce qui n’est pas commun.

Il fait partie de l’intellectualité artistique d’Elena de trouver des solutions techniques, mais aussi des représentations recherchées, tant dans la conception que dans l’exécution de l’œuvre, laquelle ne peut qu’être considérée comme unique et irrépétable, ce qui en élève davantage la valeur.

Car si l’ostensoir ou le support peut être reproductible, l’œuf, en soi singulier, ne pourra jamais être identique ; par conséquent, la peinture non plus, faisant de l’objet une pièce unique et vivante.

C’est pourquoi des ateliers d’orfèvrerie sophistiqués et réputés souhaitent acquérir ces œuvres qu’Elena, par sa créativité, parvient à rendre vivantes, transformant leurs précieux ouvrages en pièces uniques.

Ce n’est pas un hasard si, pour Elena — qui a beaucoup voyagé, s’est confrontée à d’autres cultures, a visité des lieux et recherché des repères créatifs et opératoires —, la vraie beauté trouve son sens dans la difficulté de rendre unique chaque œuvre, exempte de vulgarité, d’inspirations communes, de la mode du moment, ou de ce que tous s’attendent à se voir offrir dans l’uniformité d’une pensée collective.

Une personnalité qui se reflète aussi dans sa vie quotidienne, où elle se rend compte de n’être pas portée aux amitiés nombreuses, mais à des liens rares et authentiques.

Une quête exténuante et méticuleuse qui se poursuit constamment et qui, pour qui a pu l’observer sur les réseaux sociaux, montre qu’elle parvient seule à marier les images de ses œuvres à des musiques qui se fondent harmonieusement avec ce qu’elle publie, devenant un point de référence non banal mais d’une grande intensité d’attention.

Des œuvres donc pas pour tous, diffusées en vision intégrale ou par le détail significatif, afin que l’observateur attentif perçoive l’harmonie et l’intensité de l’œuvre et s’en trouve captivé dans sa globalité.

Plus encore, en résonance avec la période historique que nous traversons, elle parvient à incarner, transmettre et représenter figurativement l’intériorité humaine.

L’une de ses dernières œuvres en témoigne : observée par des connaisseurs avertis, elle a été considérée comme une représentation iconique de l’humanité contemporaine.

Est-ce pour cela que des spécialistes, en quête constante d’œuvres véritables et précieuses, la suivent ?

Sa simplicité — alors même qu’elle ne possède pas encore de site web personnel, que beaucoup réclament, où pourraient être offertes ces œuvres destinées, inévitablement, à rester dans les annales — contribue-t-elle à stimuler les véritables amateurs ?

Une Artiste de l’Art pour l’Art ?